MODIEUZE ILLUSTRATIE VANDAAG ALLES VOORKOMT DE FOTO. NA HAAR BEVOLKING IN DE GLANZENDE WERELD DALENDE AAN HET EINDE VAN DE 60S, NIEMAND GEDACHT DAT DE SCHETSEN OPNIEUW EEN TREND WORDEN. STAAT ECHTER, het is de moeite waard om dieper te graven: MODIEUZE ILLUSTRATIE - MEER DAN 500 JAAR! Eeuwenlang was illustratie de belangrijkste bron van visuele inhoud en een belangrijke vorm van communicatie in de mode-industrie. Haar belangrijkste doel was om het ontwerpidee in volume en vorm over te brengen. Meestal gebruikten illustrators aquarellen, kleurmarkeringen en potloden, pastels, kleurpotloden, inkt en zelfs houtskool.
In de 16e eeuw ontstond de behoefte aan het drukken van boeken over kostuums van naburige landen. Illustraties waren de belangrijkste informatie-eenheid in elke publicatie en verwierven al snel het eerste 'trend'-kenmerk: het verzamelen van illustraties werd vreselijk modieus. In de volgende eeuw werden boeken in zakformaat in gebruik genomen, waarin vaak zwart-witfoto's werden gevonden en na nog eens 100 jaar begonnen ze afzonderlijke tabbladen met illustraties van kleding te maken.
De bloeitijd van de tekening gebeurde natuurlijk samen met de ontwikkeling van modetijdschriften. Trouwens, aan het einde van de negentiende eeuw werden tijdschriften uitgegeven in twee versies: zwart en wit en "luxe" - kleur. De oplage van publicaties als Vogue en L'Officiel was klein - van 1200 tot 2500 exemplaren, en slechts 30 exemplaren waren bedoeld voor gewone lezers, gedrukt op het best gecoate papier en gemaakt als een cadeau-album. In toenemende mate boden illustratoren niet alleen foto's van kleding, maar ook afbeeldingen van vrouwen en mannen in verschillende stijlen, waardoor lezers praktische tips kregen over de dresscode.
In de jaren 1900 begon de Franse modeontwerper Paul Poiret professionele kunstenaars uit te nodigen om illustraties voor hun eigen collecties te maken. Poiret werkte vaak in een duet met Paul Irib, wiens werk voornamelijk werd beïnvloed door de ardeco-stijl. Iribe voegde karikatuurelementen aan het werk toe, zodat zijn stijl snel herkenbaar werd. Al snel begon de illustratie te verschijnen op de covers van prestigieuze Franse modebladen. Tegelijkertijd weerspiegelde de omslag niet noodzakelijk de algemene inhoud en werd deze meer als een afzonderlijk kunstwerk beschouwd. Het was de tijd van zulke uitstekende illustratoren als Jean Demarchy, Bernard Blossack, Sigrid Hunt. Onder hen waren getalenteerde adverteerders zoals Andy Warhol en Rene Gruau, die de illustratie presenteerden als een speciaal reclamegenre.
De zonsondergang van het tijdperk van de illustratie kwam in 1932, toen de eerste foto op de cover van Vogue verscheen. 'S Nachts daalde de waarde en relevantie van de foto. De komst van dergelijke iconische fotografen, 'supersterren' uit de jaren 60, zoals David Bailey, Brian Duffy, Terence Donovan, werd het logische einde van de illustratie als massamedium voor het creëren van glans. In de jaren 60 werd het steeds minder gebruikt, hoewel het diende als een extra bron van creatief zoeken, snel in productie en commercieel succesvolle prêt-à-porter kleding begon couture te vervangen, fotografie verving de illustratie op alle niveaus van drukwerk. Bovendien begonnen pioniersillustratoren zoals Karl "Eric" Erickson, Christian Berard en Rene Boucher, die de meest elegante, aristocratische, zelfverzekerde beelden van toonaangevende modeontwerpers van de 20e eeuw vastlegden, te sterven.
Ondanks de revolutie in de digitale technologie zijn mode-illustraties vandaag weer populair geworden. Het internet is een vruchtbare bodem geweest voor kunstenaars die ambitieus zijn. Het feit is dat kunst en nieuwe technologieën tegenwoordig onlosmakelijk met elkaar verbonden zijn en dat illustraties steeds populairder worden. Bovendien zijn de kwaliteit van prestaties en snelheid aanzienlijk toegenomen en is het gemakkelijk om de verkeerde aanrakingen te 'wissen'. Barbara Khalyuniki, Klim Everden, Gladis Palmer, Hiroshi Tanabe, Ricardo Fumanal, Richard Gray, Tanya Lin, Zoe Taylor kondigden zichzelf aan met de ontwikkeling van de eerste online platforms en forums.
De beschikbaarheid van informatie en sociale netwerken waarmee kunstenaars zich gemakkelijk kunnen uitdrukken, een publiek kunnen opbouwen en een naam voor zichzelf kunnen creëren, zijn een andere reden voor de terugkeer van mode in de illustratie. Een van de meest actieve Instagram-illustratoren zijn bijvoorbeeld de auteurs van @paperfashion (Katie Rogers, 491.000 volgers), @ddrawbertson (Donald Drobertson, 142.000 volgers), @studiodore (Garant Dore, 110.000 volgers), die de belangstelling van het publiek constant voeden met reizen , speciale projecten met merken en video-tutorials.
Het is ook vermeldenswaard de sociale component van het genre van illustratie. De wereld van haute couture, moe van de "gefotografeerde" naar onherkenbare modellen, keert terug naar mode-illustratie als een meer exclusieve en, vreemd genoeg, "organische" vorm en afbeelding van een persoon. Nieuwe interesse in de tekening wordt ook gerechtvaardigd door de noodzaak om een meer harmonieus beeld te creëren, wat niets te maken heeft met de obsessieve en niet altijd gezonde 'schoonheidsnormen' die in de moderne massacultuur worden gepromoot. Een parallel kan worden getrokken tussen de filosofie van de legendarische illustrator David Downton en plastische chirurgie. "Voor mij geldt: hoe meer de tekening is" uitgewerkt ", hoe slechter het is, het geheim is erin verloren gegaan en het wordt ongelooflijk saai," merkt de kunstenaar op. Inderdaad, soms is het zelfs eng van "klonen" van modellen en dergelijke ...
Maar terug naar het mooie. In wezen is een illustratie een schets van een persoon op papier. Flexibiliteit van lijnen, eenvoud, beeldtaal en associativiteit zijn de attributen van illustratie. Het is belangrijk voor de kunstenaar om de stemming en het karakter van een persoon in verschillende slagen over te brengen, en vaak, na tien of twintig schetsen vanuit verschillende invalshoeken, wordt de definitieve versie van een portretmode-illustratie gemaakt. Dit is de schoonheid en de kracht van de tekening - in die ongrijpbare esthetiek die geen tijd- en ruimteframes heeft, die door de jaren heen zijn relevantie niet verliest en in de categorie gouden klassiekers valt. Steeds vaker vind je schetsen van illustratoren uit het Midden-Oosten Nujud Alsudairi en Shamek Blueui, die de pagina's van glossy tijdschriften in het Midden-Oosten sieren. Shamek gebruikt traditionele Arabische kalligrafie die tot leven komt, bijvoorbeeld in een trein van een jurk. Het beeld is relevant in de context van de lokale cultuur. Nujut verwijst echter naar de esthetiek van het decadentijdperk, ook al woont de kunstenaar zelf in Riyad, in Saoedi-Arabië.
Tegenwoordig is de illustratie zo in trek dat de vergoeding voor één werk gemiddeld $ 400 kan bereiken. Meestal worden illustraties aangevuld met fotoshoots, auteursrechtelijk beschermd materiaal, evenals collages in populaire tijdschriften over mode en stijl. Zoals elke vorm van kunst, zal het niet langer uit de mode raken, maar eerder veranderen met de ontwikkeling van de "pixelcultuur", die het pad volgt van verdere manipulatie met slimme technologieën en touchscreen. Wie weet, misschien is het binnenkort mogelijk om echt "een fatsoenlijke illustratie uit een vinger te zuigen"?
